Eine Zahl bleibt selten auf dem Papier

Ein Zeugnisschnitt sieht sachlich aus: mehrere Einzelnoten werden zusammengeführt, am Ende steht ein Wert. Für Jugendliche bedeutet er jedoch oft weit mehr. Er kann sich wie ein Urteil über Begabung, Fleiß und Zukunft anfühlen, obwohl er nur einen begrenzten Ausschnitt abbildet. Wer in einer schwierigen Phase schlechter abschneidet, macht daraus leicht eine Aussage über die eigene Person: „Ich bin nicht gut genug.“ Gerade weil Jugendliche noch herausfinden, was ihnen liegt, trifft eine solche Verengung besonders stark.

Was ein Notenrechner tatsächlich ausgibt

Rechnerisch werden die berücksichtigten Noten addiert und durch die maßgebliche Anzahl geteilt; falls eine Schul- oder Prüfungsordnung unterschiedliche Gewichtungen vorsieht, verändert sich dieser Weg. Für eine schnelle Kontrolle auf dem Zettel genügt ebenso ein Notenrechner bei FlinkTools, doch das Ergebnis ist nur so aussagekräftig wie die Auswahl der einbezogenen Fächer und die angewandte Regel. Verbindlich ist daher nicht die Zahl aus einem beliebigen Werkzeug, sondern die Auskunft der Schule, des Sekretariats, der geltenden Prüfungsordnung oder der Studienberatung.

Die gefährliche Abkürzung vom Schnitt zum Charakter

Eltern verstärken den Schaden oft nicht absichtlich. Schon Fragen wie „Warum bist du nicht besser?“ oder ein Vergleich mit Geschwistern können den Schnitt vom Rückblick zum Maßstab der Person machen. Das führt bei manchen Jugendlichen zu Scham, Rückzug oder übermäßigem Druck; andere vermeiden Fächer, in denen ein Misserfolg sichtbar werden könnte. Auch ein guter Schnitt kann belastend werden, wenn jede Abweichung als Absturz gilt. Entscheidend ist, über konkrete Aufgaben, Lernbedingungen und Interessen zu sprechen, nicht über einen vermeintlich festen Wert des Kindes.

Wo die Rechnung ihre Bedeutung verliert

Ein Durchschnitt verschweigt Unterschiede. Er zeigt nicht, ob eine Note nach einer Krankheit, einem Lehrerwechsel, familiärer Belastung oder einer besonders anspruchsvollen Aufgabe entstanden ist. Ebenso wenig verrät er zuverlässig, ob jemand erklären, gestalten, organisieren, zuhören oder praktisch arbeiten kann. Selbst innerhalb eines Fachs können einzelne Leistungen weit auseinanderliegen. Die Zahl darf deshalb ein Anlass für Fragen sein, aber kein Beweis für fehlende Fähigkeiten. Besonders vorsichtig sollten Eltern sein, wenn ein Jugendlicher aus einem einzelnen Zeugnis eine endgültige Aussage über sich ableitet.

Welche Fragen vor der Bewertung geklärt werden müssen

Bevor ein Schnitt kommentiert wird, lohnt sich ein Blick auf die Berechnung und den Zusammenhang. Nicht jede Zahl auf einem Zeugnis hat dieselbe Funktion, und schulische Regeln unterscheiden sich nach Bundesland, Schulform und Prüfungsordnung.

• Welche Fächer und Leistungen fließen überhaupt ein?
• Wurden bestimmte Fächer oder Prüfungen nach einer eigenen Regel berücksichtigt?
• Handelt es sich um einen offiziellen Durchschnitt oder nur um eine private Überschlagsrechnung?
• Welche Bedeutung hat der Wert in diesem Bildungsgang tatsächlich?
• Welche Auskunft kann die Schule verbindlich geben?

Eltern können den Blick wieder öffnen

Hilfreich ist eine Sprache, die Entwicklung zulässt: Was hat im vergangenen Halbjahr besser funktioniert? Wo war die Aufgabe unklar? Welche Lernform passt, und wo fehlt Unterstützung? Ein Gespräch über den Weg hinter der Note nimmt das Ergebnis ernst, ohne es zu vergötzen. Dabei sollte auch ein guter Schnitt nicht automatisch als Beweis für problemloses Lernen gelten. Manche Jugendliche funktionieren lange unter Druck und merken erst später, wie erschöpft sie sind. Aufmerksamkeit gilt deshalb auch Schlaf, Rückzug, Angst vor Bewertung und dem Gefühl, nur bei Leistung Anerkennung zu bekommen.

Wenn aus Bewertung eine Belastung wird

Bleiben Angst, Niedergeschlagenheit, Vermeidungsverhalten oder Streit über Noten bestehen, reicht die Umrechnung nicht als Antwort. Dann ist ein ruhiges Gespräch mit der Schule oder einer Beratungsstelle sinnvoll; bei anhaltender seelischer Belastung gehört auch die Hausarztpraxis zu möglichen Anlaufstellen. Der Zeugnisschnitt darf besprochen werden, aber er besitzt keine eigene Stimme und kennt den Menschen dahinter nicht. Jugendliche brauchen Raum, verschiedene Fähigkeiten auszuprobieren, Fehler auszuhalten und ein Selbstbild zu entwickeln, das nicht bei einer einzigen Zahl endet.

Título original: Babylon – EEUU, 2022 – Dir: Damien Chazelle

Confieso que las películas sobre «lo mucho que nos gusta el cine» se me hacen un tanto empalagosas, y Babylon peca algo en este aspecto. Tras explicarnos lo mucho que le fascina el cine en «La la land», Chazelle insiste y le dedica una película entera a ello, pero con un concepto poco claro: sinceramente cuesta ver qué es tan interesante o crucial de los tres protagonistas que se nos presentan para dedicarle 180 y pico minutos de metraje.

Sí, vale, es una historia sobre la primera edad dorada del cine y la dificil transición del mudo al sonoro. Es como coger «Cantando bajo la lluvia», quitarle la música, las risas, y ponerle mucho exceso y perversión hollywoodienses; el propio Chazelle lo reconoce explícitamente con sus constantes referencias a esa obra maestra. El problema es que «Babylon» es bastante peor película usando el doble de metraje y dando demasiadas vueltas por el camino: Jack no es más interesante que Don, Nellie no es más intereante que Kathy/Lina, y Manny no es más interesante que Cosmo. Se meten más farlopa, eso sí.

Chazelle le da mucha importancia a mostrar el encanto de la era del cine mudo, mostrando un megaset de rodaje donde se fliman como diez películas a la vez y donde todo apesta a falso, empezando por la absurda cercanía física entre las producciones y terminando por la orquesta completa que ambienta las escenas épicas, un gasto ridículo e impensable en películas… que no tienen sonido. La secuencia que culmina con el beso de Brad Pitt y su parteneire al final de una gran batalla es especialmente manipuladora, faltando únicamente el director saliendo con un cartelito a decir «ahora te tienes que emocionar».

Al resto del film simplemente le falta fuerza. Aunque Manny es un personaje interesante y un buen hilo conductor, nada de lo que le pasa justifica construir una megaproducción a su alrededor; da la sensación de estar viendo una miniserie de TV sobre los inicios del cine, un formato que habría funcionado mejor que una sola peli de tres horas. En el pase al que acudí había sobre todo personas mayores, y una pareja se marchó. Realmente no se lo puedo reprochar: no es que la peli sea mala, pero puede alienar fácilmente a un público que no acabe de entender qué se le está contando y al que no le gusten ciertos excesos en pantalla.

Ejemplo claro de esta indefinición es la relación entre Manny y Nellie: cuando esta acude desesperada a él en busca de ayuda, Manny le reprocha que lo único que ha hecho siempre es destrozarle el corazón. Eso no es lo que hemos visto en pantalla: de hecho Nellie es amistosa y cercana con él cuando ya es superestrella y se podría haber permitido el lujo de ignorarlo. Desconcertante que si se quería crear una mayor tensión dramática entre ambos no se lograra durante la larguísima duración de la cinta. En cambio, se tiene tiempo para alargar subtramas secundarias, como la de la china lesbiana, el músico negro o para una larga secuencia con una piscina, el desierto y una serpiente cascabel que aporta muy poco globalmente.

Se está dudando de la capacidad de Margot Robbie de atraer al público, pero en este caso no es culpa suya: el guión simplemente hace aguas y ninguna actriz triple A lo habría hecho mejor que ella. Tampoco se le puede reprochar que confiara en Chazelle, responsable último de este mamotreto bien intencionado y de buena factura, pero mamotreto. Me gustó ver en el elenco al buenazo de Lukas Haas («Único testigo») y al no menos bueno Toby Maguire.

El collage final de films deja claro que Chazelle no se ha enterado de la película (je): no sólo mete más minutaje a una peli ya excesiva sino que lo hace sin originalidad (Cinema Paradiso ya logró el efecto que busca ese escena hace años) y metiendo películas contemporáneas (Kubrick e incluso Avatar) en medio de una secuencia que transcurre en los 50. Sí, Damien, nos damos cuenta de que te gusta el cine, a nosotros también, pero eso no pintaba nada allí.

Babylon no es una peli para recaudar sólo 15 millones, pero sí una apuesta bastante mal medida que no ha salido como se esperaba, a la que le sobra fácilmente una hora de metraje. A Chazelle le toca ir a la silla de pensar si no quiere ir por el camino de Denis Villeneuve.

¿Color? Adonde vamos no necesitamos color.

Título original: Black Adam – EEUU, 2022 – Dir: Jaume Collet-Serra

La película es muy flojita y plagia con muy poco disimulo cosas que Marvel ha hecho mejor. Transcurre en un país exótico que tiene un mineral que no se encuentra en ninguna otra parte, pero no es un plagio porque se llama Eternium en lugar de Vibranium. El país entero está dominado por una banda criminal, sin mayor explicación (??!!). ¿Hay elecciones y al menos un presidente nominal? ¿Es una dictadura, una teocracia? ¿Quién da las órdenes exactamente? Sólo sabemos que son gente «mala» y armada, con una tecnología que nunca se ha visto en el universo cinemático DC (motos voladoras), y ni siquiera se sabe si son occidentales, porque también tienen moritos y negros (pero sí se menciona que están «robando los recursos»).

El tal Black Adam resucita, se pone a matar a todo quisqui sin pensárselo mucho y más o meno ahí acaba su desarrollo de personaje. Está cinco mil años en el futuro y no le interesa lo más mínimo el estado de su país ni del mundo, ni interactuar con nadie; viniendo de la edad de bronce no le sorprende la tecnología, y usa perfectamente el lenguaje del siglo XXI. Sus dos rasgos básicos son «no soy un héroe» y «si percibo a alguien como una amenaza lo mato».

La historia de la corona con poderes y el descendiente del gobernante malvado no puede ser más tópica, se hecho docenas de veces en una variante u otra. La mamá Lara Croft-wannabe y el hijo son personajes planísimos y les dan unos diálogos espantosos, aunque hay que decir que la señora está de muy buen ver.

Lo de la Sociedad de la Justicia es de traca. Los envía a morilandia la negra de Escuadrón Suicida, y eso es todo lo que se cuenta sobre ellos. ¿Qué es la Sociedad, por qué se formó? ¿Por qué no explican que en los cómics su publicación es anterior a la Liga de la Justicia? Una vez llegan al lugar de la acción, su antagonsimo con Black Adam es una premisa intereresante, pero en la práctica tiene menos tensión que un episodio de Pocoyó, y los personajes nunca llegan a funcionar. Te meten a Hawkman en una peli por primera vez en la historia… y no explican NADA de él. No es que yo sea el más puesto en el universo DC, pero al menos sé que el personaje es de otro planeta, un Thanagariano, civilización guerrera que se ha descrito profusamente en los cómics; aquí es un tipo genérico con alas y una maza. Además, ahora es negrata, porque Dios no permita que se estrene una peli de superhéroes este siglo sin un cambio de raza. Atom Smasher, un Ant-Man de mercadillo. ¿El Doctor Fate? Pierce Brosnan está mayor, lo siento, y el personaje tal como se presenta parece una copia del Dr. Extraño, aunque exista desde bastante antes. La mejor de todos, Cyclone, intepretada por la deslumbrante Quintessa Swindell, una de esas mujeres que llevan a los hombres a matar, o a traicionar a su mejor amigo.

¿Qué se puede decir bueno de la peli? Que es entretenida dentro de su desesperada incompetencia, y que visualmente da el pego pese al aspecto tan artificial de todo. Pero tiene cosas de palmearse la cara… algunas frases eran tan malas que resoplé en el cine, cosa que muy raramente hago («su poder sale de su oscuridad»); lo de lo zombis al final salido de ninguna parte… ¿Lo del «símbolo feminista»? Sí, bueno, si fuera tan fácil movilizar a una masa Bolsonaro quizá habría tomado el palacio presidencial estos días. En fin, uno de esos proyectos que salen adelante exclusivamente como vehículos de una estrella, sin ningún tipo de plan coherente detrás. Lo mejor de todo, además de Quintessa, los últimos 30 segundos, claro; incluso parece que John Williams puede haber cobrado alguna regalía…

En una sala insonorizada nadie puede oír tus reflexiones.

Título original: Ad Astra – EEUU, 2019 – Dir: James Gray

Brad Pitt interpreta un astronauta hijo de otro as del espacio, considerado un héroe casi mítico y perdido hace años en una misión consagrada a la búsqueda de inteligencia extraterrestre. Una emergencia que amenaza el futuro de la Tierra obliga a Brad a ir en busca de su padre, en una operación rodeada de secretos.

La película ha tenido en general una mala recepción por su tono introspectivo, taciturno y pausado. Imagino que la mayoría de sus detractores la llamarán también «lenta», pero me parece interesante establecer una distinción entra una narración pausada y otra que se hace lenta en el sentido de no avanzar (con el consiguiente aburrimiento). Ad Astra pertenece claramente a la primera categoría, y si la analizamos secuencia por secuencia apenas encontramos pausas obvias; en todo momento ocurre algo y cada escena tiene su función. Entiendo que cuando esa escena consiste en un monólogo del protagonista pasando su evaluación psicológica frente a un ordenador alguna gente se aburra, pero esto es diferente a otros films donde podemos señalar con precisión los momentos que no sirven ningún propósito o que alargan el plano sin objeto alguno (vienen a la mente ejemplos como la «Solaris» rusa o «Zodiac».)

Hablando de los monólogos de Pitt, nos encontramos ante un personaje interesantísimo, muy singular en el actual cine de masas. Se nos presenta como una persona distante, con verdaderas dificultades para sentirse a gusto entre sus semejantes, pero con la virtud de una brutal honestidad consigo mismo (si bien no con los demás). La forma en que reconoce sus carencias y conflictos puede poner al espectador ante las suyas propias, inspirándolo para realizar a su vez este sano ejercicio de autoanálisis. Todo el concepto de la evaluación psicológica automatizada resulta también muy interesante, con esos algoritmos capaces de detectar emociones en las manifestaciones externas más sutiles, y que ya prácticamente existen en nuestra realidad.

Aunque el presupuesto fue de unos 100 millones de $, se trata de un film con tono e intenciones casi de cine independiente. No obstante, tiene un componente secundario de acción-intriga bastante bien resuelto. Con todo, el género se siempre se ha prestado a la reflexión existencial, y es fácil apreciar los paralelismos con «Gravity», «2001», «Moon» o «Arrival».

Muy logrado también el personaje-concepto del padre, una presencia más bien fantasmal (la presencia real de Tommy Lee Jones en el film es en torno a los diez minutos). Un hombre consumido por la obsesión del conocimiento trascendente, por la misión por encima de todo. A medida que el personaje de Pitt se aleja del sol y se acerca a su padre, va reencontrando la empatía con el resto de humanos, dándose cuenta de que no puede convertirse en lo mismo que su progenitor, al que no obstante sigue guardando devoción. El líder obseso y megalómano no es desde luego una figura original en el cine, y a poco que el espectador se fije reconocerá otro paralelismo muy claro film con Apocalypse Now durante todo el film.

¿Qué me funciona menos de la película? Podría haber tenido más esplendor visual. Aunque la base-centro comercial de la luna es todo un hallazgo, el diseño de producción podría haber ido más allá, por ejemplo en la sala de relajación y en los interiores de las bases y naves. La fotografía granulosa (que seguramente se usa para resaltar el tono «indi») no hace favores en ese aspecto. La paleta de colores es intencionalmente melancólica, pero ese recurso encaja muy bien con la historia.

Se agradecería también más versimilitud en los efectos, sobre todo durante la escena de los rovers lunares, con esas sonoras explosiones en un entorno sin atmósfera. Creo que el público actual habría aceptado perfectamente que no hubiera sonido en esos momentos, algo que se podría haber intercalado perfectamente con transmisiones de radio, latidos de corazón, etc. (curioso que quizá el mejor momento de la película sea uno en el que hay silencio casi absoluto, desafiando la disipada atención de las salas cinematográficas modernas). Marte se presenta con la laxitud habitual: aunque son ya muchas las películas que transcurren en este planeta, nunca se reconoce su baja gravedad (un tercio de la de la Tierra) ni el frío extremo de su superficie (-60 grados celsius de media).

En fin, la película ha funcionado horriblemente en taquilla, recaudando sólo unos 30 millones en USA (la misma cifra que Rambo). Está claro que cuando la gente va a ver a «Brad Pitt en el espacio» espera algo parecido a «Interpastelar», película mucho menos interesante e infinitamente mentirosa desde su propia concepción (intentando legitimar mediante la asesoría de un Nobel de física conceptos de ciencia ficción pura y dura). Ad Astra es un excelente film, con meritorias reflexiones sobre nuestro lugar en el universo y la relación con nuestros semejantes, exigiendo solamente al espectador un mínimo de paciencia y olvidar las preconcepciones que pueda tener antes de verla. Recomendada.
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Título original: Blade Runner 2049 – EEUU, 2017 – Dir: Denis Vileneuve

.ATENCIÓN – Esta crítica contiene numerosas revelaciones sobre la trama.

Llega 35 años después la secuela de Blade Runner, film que podemos calificar, fácilmente, como el mejor de ciencia-ficción de la historia junto con 2001. Ridley Scott se bajó del barco (¿abrumado por el reto?), entregando pertrechos a la «joven promesa» Denis Vileneuve (50 años, pero aparentemente en su efervescencia creativa). Hacer una secuela de Blade Runner es una apuesta de alto riesgo: ese mundo definitivamente admitía una expansión, pero un fracaso significa quedar muy tocado. ¿Qué tal librado salió el nuevo director?

Vileneuve empieza de forma inteligente, con una secuencia diurna que marca una diferencia visual con la primera película, la cual transcurría integramente de noche (si bien pronto se vuelve a la atómsfera nocturna). Los primeros compases transcurren agradablemente, fijando el tono estético y narrativo. Aunque no se puede negar que Vileneuve tiene su propia voz, aquí tanto él como Hans Zimmer están canalizando el trabajo de Scott y de Vangelis, respectivamente. Sí, definitivamente todo ocurre en el mismo mundo de la primera parte, y reconocemos varios elementos distintivos de la misma, como la interacción con tecnologías que permiten escudriñar y «aumentar» la realidad a fondo (algo que era ciencia ficción en 1981 y hoy es parte de nuestra vida cotidiana). Gran acierto recuperar el icónico edificio de la Tyrell Corporation (ahora propiedad del personaje Wallace), e incluso creo que hay un plano que se ha insertado directamente de la primera película.

Pero si algo nos ha enseñado el cine moderno (por ejemplo la franquicia Star Wars) es que recrear estilos antiguos, si bien requiere una gran maestría técnica, puede realizarse de forma casi mecánica, contando con los artesanos y el presupuesto adecuados. Sigue haciendo falta la mano que insufle a todo de propósito, dirección y estilo, y ahí Vileneuve no sale tan bien. No es que falten elementos interesantes: la premisa de una replicante capaz de reproducirse tiene mucho potencial, y el romance del Blade Runner «K» con su novia virtual está bien desarrollado, pero van pasando los minutos y la cosa no acaba de amalgamarse correctamente. Hablando de la novia virtual, tremenda irrupción de Ana de Armas en Hollywood, directamente como coprotagonista en una producción de esta entidad. La muchacha es bellísima y parece hacer un trabajo correcto, si bien no puedo juzgar su inglés porque vi la película doblada.

Llegamos a la marca de la hora y media con un conjunto que se sostiene dificultosamente, en la frontera entre rematar un relato interesante o de colapsarse. Lo más interesante hasta ese momento el cameo de Edward James Olmos y la relación de «K» con la jefa de policía, una madura Robin Wight-Penn. El punto más débil sin duda es la primera secuencia de Jared (Pa)leto como Wallace, un «villano con complejo de Dios» tan tópico que parece salido de la web TV Tropes. Cuando vemos el nacimiento de una bella replicante y el tipo la raja de inmediato con un bisturí por ser «imperfecta», estamos ante el primer indicio grave de que la película está naufragando.

La aparición de Deckard, la cual debería suponer el repunte de la historia, se convierte en todo lo contrario. Para empezar, ¿dónde coño vive el tipo? En una especie de cementerio nuclear (con filtro naranja constante, por si no queda claro) pero lleno de gigantescas y bellas estatuas, que nadie sabe por qué están ahí, pero que quedan bonitas. También vemos que Deckard se dedica a la apicultura, un trabajo similar al del primer replicante de la película. Serán abejas inmunes a la radiación, supongo. La verdad es que el personaje no parece nada dado a esas labores, y además, ¿cuál es su propósito, hacer miel? ¿Para qué, si al parecer está totalmente aislado y posee suministros ilimitados de alimento? («Tengo millones de botellas de whisky»). Eso sí, a un madrileño le hace mucha ilusión ver que el interior del edificio donde vive es el Palacio de Correos de Madrid (corrección: de hecho, esta escena está filmada en Budapest).

En fin, el antiguo Blade Runner reside en un casino abandonado, con una sala de fiestas holográfica que sólo sirve para epatar visualmente (¿cómo funciona puese a la radiación y a no tener mantenimiento? ¿de dónde sale la energía?). Deckard y K tienen una pelea a puños en la que el primero parece imponerse, pese a que sabemos perfectamente que su fuerza es normal y la de K sobrehumana; de hecho, un rato después este último atraviesa una pared en medio de una leve carrera, violando toda la física conocida. Toda la historia de Deckard es poco convincente: se confirma que es el padre de la «niña milagro», pero se desentendió de ella «porque era lo mejor»; y además luego se perdieron los registros y era imposible localizarla, pero sin embargo hay una «resistencia replicante» (subtrama que no va a ninguna parte) que sabe perfectamente dónde está y no ha hecho nada por ponerlos en contacto. ¿Realmente no ha encontrado Deckard nada mejor que hacer con su vida que leer, criar abejas y emborracharse? Ford está teniendo un triste final de carrera, enturbiando sus tres papeles más emblemáticos.

Cuando Wallace atrapa a Deckard, la película se hunde definitivamente. Su objetivo es obtener la clave de la reproducción de los replicantes, y para ello necesita cierta información de su prisionero. ¿Cuál? ¿Acaso es Deckard experto en biotecnología? Si tienes al padre vivo y los restos mortales de Rachel, ¿por qué no te dedicas a analizarlos e intentar desentrañar el misterio? El punto más bajo llega cuando aparece el clon de Rachel, una recreación computerizada de Sean Young cuando era joven. ¿¿Pueden por favor dejar de usar esta técnica en el cine?? Vale, es un gran logro técnico, pero en la inmensa mayoría de los casos resulta ridículo, siniestro y no aporta nada. Además, resulta que a Deckard no le gusta el clon y la «secretaria» de Wllace decide despacharla sumariamente, como si estuviéramos en un capítulo de Narcos. ¡¿Por qué?! ¿Quién la autorizó? ¿Habían acordado darle un tiro en la cabeza si no funcionaba de inmediato? Por cierto, esta secretaria, que es el 2º personaje que más aparece en el film, podría haber sido interesante, pero degenera rápidamente en una especie de sicaria ridícula, y al parecer también algo ninja, pues puede matar a la comisaria de Los Ángeles en su propio despacho sin ningún tipo de consecuencia. Pero eso sí, llora las primeras veces que acuchilla a personas. ¡¡¡Por favor!!!

La traca es cuando Wallace llega a la conclusión de que hay que torturar a Deckard, y por algún motivo absolutamente ignoto eso requiere llevárselo a las colonias espaciales (por cierto, oportunidad de oro perdida para mostrarnos las famosas colonias y, por qué no, la puerta de Tannhauser). Y esas son las únicas dos escenas de Leto, un «malo» principal que figura prominentemente en el cartel y que está 10 minutos en la película. Se entiende su motivación, pero todo lo demás es fallido en él: su crueldad caricaturesca, sus métodos, sus implantes cibernéticos («¡eh, espectador! ¡es menos humano que los replicantes!») Qué diferencia con ese personaje tan interesante que era Tyrell.

¿Cuál es el mayor pecado de la película? No haber conservado la prístina claridad narrativa del original, el cual puedes ver en total relajación y no perder ningún detalle importante; aquí hay varias cosas que no quedan claras (¿de dónde saca K el ADN de bebé que analiza, del patuco que había oculto en el piano? ¿Qué es esa explosión que se produce en el casino de Deckard?). El segundo pecado es la duración: El largometraje es un formato que encuentra su punto dulce entre los 80 y los 110 minutos, todo lo que supere eso necesita una justificación muy específica (haz una miniserie si te quedas corto) y casi siempre agota al espectador. Las brutales 2 horas y 40 minutos de «2049» hacen sus pecados mucho más difíciles de perdonar.

Hay otros detalles menores, como la resolución del romance entre K y su novia virtual Joi; la «escena erótica» que comparten se basa en un efecto visual raro y que no funciona; K decide sacarla de la red, sólo hace una copia de respaldo y se la lleva a una misión peligrosa (uh…); en un momento dado descubrimos que todos los modelos de Joi tienen el mismo físico. Vamos a ver, ¿puedes hacer replicantes de carne únicos pero todos tus humanos computerizados son iguales? Gracias, Vileneuve, ya nos damos cuenta solos de que es una mujer artificial. Luego, la banda sonora no logra ni de lejos la misma integración en la historia que el original. Aunque Zimmer logra una aceptable réplica del Vangelis ochentero, su partitura está básicamente de fondo. Eso sí, no se privan de usar el tema de muerte de Roy Batty en la última secuencia para una manipulación emocional de todo a cien. Todo el aspecto visual, tan sobresaliente en el original, aquí es simplemente pulcro y cumplidor, con pocos momentos brillantes.

En fin, la película es digna pero en último término totalmente fallida, esa es la realidad. Gosling está correcto en todo momento pero no puede salvar el material, y Vileneuve se destapa como otro director incapaz de aplicar la economía narrativa. Las buenas críticas me indican que el espectador criado visualmente en los 80 hoy se conforma con reconocer los guiños a los originales cuando ve un «remake», pero el fracaso en taquilla está sobradamente justificado. Realmente es una pena que se estropee así un superclásico, pero bastará con hacer un esfuerzo por olvidar esta secuela. Esta vez no harán falta múltiples ediciones para encontrar la versión definitiva de una joya; la única que podría valer la pena es una con muchos, muchos menos minutos.
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